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Chronologie d'Albrecht Dürer

Chronologie d'Albrecht Dürer



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  • 1471 - 1528

    La vie de l'artiste allemand de la Renaissance Albrecht Dürer.

  • 21 mai 1471

    L'artiste de la Renaissance Albrecht Dürer est né à Nuremberg.

  • 1486 - 1489

    L'artiste de la Renaissance Albrecht Dürer étudie comme apprenti peintre et graveur auprès de Michael Wolgemut.

  • 1492 - 1494

    L'artiste allemand de la Renaissance Albrecht Dürer travaille à Bâle et fournit des gravures sur bois pour des livres.

  • 1494

    L'artiste allemand de la Renaissance Albrecht Dürer épouse Agnes Fey.

  • 1495 - 1497

    L'artiste allemand de la Renaissance Albrecht Dürer visite l'Italie pour la première fois.

  • 1498

    L'artiste allemand de la Renaissance Albrecht Dürer crée sa série de 15 gravures connue sous le nom de L'Apocalypse.

  • c. 1500

    L'artiste allemand de la Renaissance Albrecht Dürer réalise son célèbre autoportrait aujourd'hui à Munich.

  • 1504

    L'artiste allemand de la Renaissance Albrecht Dürer peint son Adoration des Mages.

  • 1504

    L'artiste allemand de la Renaissance Albrecht Dürer crée son estampe Adam et Eve.

  • 1505 - 1507

    L'artiste allemand de la Renaissance Albrecht Dürer visite l'Italie pour la deuxième fois.

  • 1507

    L'artiste allemand de la Renaissance Albrecht Dürer achète sa maison (aujourd'hui un musée) à Nuremberg.

  • 1512 - 1519

    L'artiste allemand de la Renaissance Albrecht Dürer travaille comme artiste de la cour de Maximilien Ier, empereur du Saint-Empire.

  • 1514

    L'artiste allemand de la Renaissance Albrecht Dürer produit sa collection de gravures de maître.

  • 1515

    L'artiste allemand de la Renaissance Albrecht Dürer supervise l'impression de plusieurs pages, l'Arc de Triomphe de Maximilien.

  • 1520

    L'artiste allemand de la Renaissance Albrecht Dürer est nommé artiste de la cour de Charles Quint, empereur du Saint-Empire.

  • 1521

    L'artiste allemand de la Renaissance Albrecht Dürer visite Gand, Bruges, Anvers et Cologne.

  • 1525

    L'artiste allemand de la Renaissance Albrecht Dürer écrit Underweysung der Messung, un traité de géométrie.

  • 1526

    L'artiste allemand de la Renaissance Albrecht Dürer peint ses panneaux des Quatre Apôtres.

  • 1528

    L'artiste allemand de la Renaissance Albrecht Dürer écrit son Vier Bücher menschlicher Proportion, un traité sur les proportions.


Albrecht Dürer par Jane C. Hutchison

Albrecht Dürer (21 mai 1471-6 avril 1528) était un peintre, graphiste, auteur, éditeur et mathématicien allemand. Il est aussi le seul artiste à porter son nom à une époque entière : le Durerzeit (c. 1490-1528). L'un des plus grands graveurs de l'histoire, il était également l'homme qui a élevé la gravure sur bois au rang des beaux-arts et était un créateur exceptionnel de dessins dans une grande variété de supports, y compris l'aquarelle. Ses retables et portraits à l'huile, à l'exception du somptueux Munich Autoportrait en fourrure (1500), sont moins connus. Deux de ses œuvres les plus célèbres sont le dessin au pinceau de Prier les mains—l'une des nombreuses études pour le retable Heller perdu—et le dessin à la gouache d'un Lièvre sauvage (tous deux au Musée Albertina de Vienne). Ceux-ci, cependant, ne sont devenus bien connus qu'après que le processus de reproduction des couleurs a été perfectionné. Ses contemporains connaissaient son art principalement à travers ses grands livres gravés sur bois - le Apocalypse, Vie de Marie, et trois versions du La passion du Christ, et par ses gravures d'un raffinement sans précédent, dont les trois « tirages maîtres », le Chevalier, Mort et Diable, Saint Jérôme dans son bureau, et Mélancolie I. Dürer était aussi bien connu comme écrivain et mathématicien. Son parrain était l'éditeur le plus en vue d'Allemagne, Anton Koberger, dont les polices de caractères et les conseils commerciaux sur les contrats avec deux agents de vente étaient inestimables. Les livres théoriques de Dürer ont joué un rôle de premier plan dans la diffusion du style Renaissance parmi les artistes et les mécènes du nord des Alpes, en particulier le Manuel de mesure (Unterweysung der Messung, Nuremberg, 1525) et le Quatre livres de proportion humaine (Von menschlicher Proportion, Nuremberg, 1528). Ils ont été rapidement traduits dans diverses langues, tandis que son art graphique était un pilier de la formation de jeunes artistes en Europe et dans le Nouveau Monde pour les siècles à venir. Dürer est presque unique en tant qu'artiste, car sa renommée n'a jamais diminué, contrairement à Raphaël, Rembrandt ou Michel-Ange, qui possédaient tous des estampes ou des dessins de lui, tout comme Pontormo, Nicholas Hilliard, William Blake, Goethe et tous les Nazaréens. . Ses estampes ont inspiré des œuvres d'El Greco, du Caravage, de Victor Hugo, de Friedrich Nietzsche, de Friedrich Engels, d'Odilon Redon, de Thomas Mann, de Picasso, d'Otto Dix et de Ferdinand Botero, entre autres. Sa technique brillante et ses contributions écrites à la littérature scientifique allemande, ainsi que son intérêt précoce pour les écrits de Martin Luther et son association personnelle avec l'humanisme allemand et néerlandais, l'ont rendu de plus en plus célèbre au fil du temps. Il est reconnu depuis longtemps que Dürer, fils d'orfèvre qui avait de son côté un minimum d'éducation formelle, n'aurait guère pu lire plus que quelques mots de latin et aurait eu besoin d'un mentor pour les grandes figures et les enjeux de la humanisme. On a longtemps supposé que son riche ami Willibald Pirckheimer était cette personne. Cependant, la découverte par Dieter Wüttke en 1967 du manuscrit d'épigrammes de Kassel par Konrad Celtis datant de 1500, louant Dürer non seulement comme un nouvel Apelle, mais comme un « Apelle Teutonicus », a établi Celtis comme son premier mentor, qui est resté une influence essentielle jusqu'à ses débuts. mort en 1508. Cela a attiré l'attention sur le lien inévitable entre les plans de Celtis pour le Germania Illustrata et la trentaine d'aquarelles de paysages de Dürer, toutes datables entre 1494 et 1500, et toutes réalisées soit dans les environs de Nuremberg, soit sur un territoire qui se trouve aujourd'hui en Autriche ou en Italie du Nord mais qui, à l'époque de Dürer, se situait à l'intérieur de la limite sud de le Saint Empire romain germanique.


Éducation et début de carrière

Dürer était le deuxième fils de l'orfèvre Albrecht Dürer l'Ancien, qui avait quitté la Hongrie pour s'installer à Nuremberg en 1455, et de Barbara Holper, qui y était née. Dürer a commencé sa formation de dessinateur dans l'atelier d'orfèvrerie de son père. Son habileté précoce est attestée par un remarquable autoportrait réalisé en 1484, alors qu'il avait 13 ans, et par un Vierge aux anges musicaux, fait en 1485, qui est déjà une œuvre d'art achevée dans le style gothique tardif. En 1486, le père de Dürer organisa son apprentissage auprès du peintre et illustrateur de gravures sur bois Michael Wohlgemuth, dont Dürer peindra le portrait en 1516. Après trois ans dans l'atelier de Wohlgemuth, il partit pour une période de voyage. En 1490, Dürer achève son premier tableau connu, un portrait de son père qui annonce le style caractéristique et familier du maître mûr.

Les années de compagnon de Dürer ont probablement conduit le jeune artiste aux Pays-Bas, en Alsace et à Bâle, en Suisse, où il a réalisé sa première gravure sur bois authentifiée, Saint Jérôme guérissant le lion. En 1493 ou 1494, Dürer est brièvement à Strasbourg, puis retourne à Bâle pour concevoir plusieurs illustrations de livres. Un des premiers chefs-d'œuvre de cette période est un autoportrait avec un chardon peint sur parchemin en 1493.


Rencontre avec la proportion et la perspective

Le premier voyage italien

Fin mai 1494, Durer retourna à Nuremberg où il se maria peu après le 7 juillet. La chronique familiale fournit les informations suivantes à ce sujet :

"Et quand je suis rentré à la maison, Hans Frej a négocié avec mon père et m'a donné sa fille appelée Agnès avec 200 florins et a célébré le mariage. C'était le lundi avant Sainte-Marguerite de l'année 1494."

C'était un mariage arrangé, une « bonne prise » que le père de Durer avait initiée pour des raisons économiques. Hans Frey (1450-1532), beau-père de Durer, était un maître artisan, un forgeron d'une vieille famille de Nuremberg qui s'était spécialisé dans les fontaines pneumatiques, les machines et les tables de banquet, était le directeur du site et le propriétaire de la ville hall, et a été élu au conseil municipal en 1496. Son épouse Anna, née Rummel (morte en 1521), était également issue d'une famille riche et respectée. L'un de ses proches était le riche financier Wilhelm Rummel, qui travailla principalement en Italie pour l'Empereur, la Curie et les Médicis.

Au moment de son mariage avec Durer, Agnès Frey avait environ 18 ou 19 ans. Un dessin à la plume de la collection Albertina, portant la légende « mein agnes » ajoutée par Durer lui-même, la montre telle qu'elle pourrait apparaître quand personne ne la regardait, comme une fille enfantine aux cheveux attachés. Il est possible que ce croquis ait même été réalisé avant leur mariage, car Agnès apparaît sans bonnet, conformément à la coutume des femmes célibataires.

On peut clairement reconnaître à partir de diverses lettres de Durer à Willibald Pirckheimer datant du deuxième voyage italien en 1506 que le mariage de Durer, qui n'a pas produit d'enfants, fut malheureux. Cela est confirmé plus tard par les archives méticuleuses du journal néerlandais, d'où il ressort qu'au cours du voyage d'un an, Durer a pris la plupart de ses repas avec ses nombreux amis ou seul, tandis que sa femme et sa femme de chambre ont pu "pour cuisiner et manger à l'étage." Malgré cela, il a représenté sa femme, qui, malgré toutes les différences personnelles, était une partenaire commerciale compétente et se rendait sur les foires et les marchés avec ses graphiques imprimés, dans de nombreux portraits. Des années plus tard, elle fut son modèle dans la peinture de Sainte-Anne. Il a été spéculé à plusieurs reprises que Durer était homosexuel, sur la base d'une lettre du patricien de Nuremberg Lorenz Behaim (mort en 1518) à Willibald Pirckheimer le 7 mars 1507, dans laquelle on parle des « garçons de Durer ». Il n'y a cependant aucune autre preuve de cela.

Quelques mois après le mariage, Durer partit pour son premier voyage en Italie. La seule preuve de ce voyage est une mention dans une lettre écrite au cours de sa deuxième période en Italie en 1506/07, dans laquelle Durer dit à Willibald Pirckheimer : « Et la chose que j'aimais tant il y a 11 ans ne me plaît plus maintenant. »

Il s'agit ici soit d'une œuvre d'art que l'on ne peut pas mieux identifier, soit du style italien en général qui peut avoir profondément marqué Durer en tant que jeune compagnon lors de son premier voyage en Italie. Au moment de son deuxième voyage en Italie, cependant, il avait déjà développé son propre style et ses propres idées artistiques, raison pour laquelle il est peut-être resté calme face aux influences extérieures.

On a souvent pensé que la raison du départ soudain de Durer pour l'Italie en 1494 était le déclenchement de la peste à Nuremberg, qui, au cours de sa pire phase, tua plus d'une centaine de personnes chaque jour. Dès 1483, dans un rapport demandé par le conseil municipal, les médecins de la ville de Nuremberg - à l'imitation du médecin et philosophe florentin Marsilio Ficin (1433-1499) - ont recommandé que la mesure préventive la plus efficace contre la peste était de fuir la ville . Des citoyens respectés de Nuremberg tels que l'artiste Christoph Amberger (vers 1500-1561/62) et le parrain de Durer Anton Koberger se sont retirés dans le pays pour échapper au risque d'infection.

La peste qui faisait rage à Nuremberg n'était probablement pas la seule raison pour laquelle Durer partit pour un si long voyage. Cela était souvent considéré comme une sorte de long voyage de compagnon. Cela devint plus tard décisif dans le rôle de médiateur de Durer entre la Renaissance italienne et l'Allemagne, brisant sa manière habituelle de représenter les choses, marquée par la tradition de l'atelier de la fin du Moyen Âge, pour révéler l'élément « nouveau » dans l'art italien, le souvenir de l'art classique monde.

Un élément décisif dans l'intérêt de Durer pour ce voyage en Italie a peut-être été le désir d'apprendre des conceptions sculpturales et spatiales de l'art classique et des artistes de la Renaissance italienne et de comprendre la pratique et la théorie de ce que ces derniers recherchaient, le chevauchement de "l'image de l'homme, la perspective, la proportion, l'âge classique, la nature, la mythologie et la philosophie". Dans ce domaine, l'art allemand était resté bloqué à un niveau médiéval tardif.

Durer a probablement entendu parler des nouvelles tendances de l'art italien pour la première fois lorsqu'il était à Bâle. Les premiers exemples à atteindre le Nord étaient des feuilles graphiques et des images de dévotion. Les copies dessinées d'une série de gravures sur cuivre par un maître de Ferrare d'environ 1470 sont quelques-unes des premières preuves de l'intérêt du Nord pour l'art de la Renaissance italienne. Des gravures sur cuivre réalisées par l'artiste italien Andrea Mantegna (1431-1506) étaient en circulation en Allemagne avant même le voyage italien de Dürer. Durer les a tracés directement à partir des feuilles originales, bien qu'il ne soit pas certain qu'il l'ait fait immédiatement avant son voyage ou pendant son séjour en Italie.

Le premier voyage italien de Durer est une étape importante dans son développement artistique. Tout d'abord, il ne connaît plus l'art méridional uniquement sous la forme de graphismes imprimés, comme c'est le cas au nord des Alpes, mais peut voir les œuvres sur place.

Fondant leurs idées sur le théoricien de l'architecture classique Vitruve, les Italiens étudiaient à la fois les proportions idéales du corps humain et le développement de la perspective centrale comme moyen d'une représentation plus réaliste de l'espace. Durer devait apprendre toutes ces choses auprès d'artistes italiens tels que Jacopo de Barbari (vers 1440/1450-1515) et Giovanni (1430-1516) et Gentile Bellini (1429-1507), avec lesquels il a peut-être fait la connaissance à Venise. à l'arrangement des marchands de Nuremberg. Il n'y a cependant aucune preuve qu'il ait jamais esquissé directement à partir d'antiquités ou s'il ait acquis sa connaissance des formes classiques uniquement en copiant des gravures réalisées par des maîtres italiens.

L'itinéraire du voyage de Durer l'a vraisemblablement d'abord conduit via Augsbourg à Innsbruck, où il a dessiné les deux aquarelles de la cour du château d'Innsbruck. Ce sont les deux premières d'une série d'aquarelles de paysages créées au cours du voyage. Ils ont été utilisés comme matériel d'étude indépendant et dossiers privés. Plus tard, ils ont également été intégrés aux graphiques imprimés de Durer et aux arrière-plans paysagers de ses peintures. Il y a un total de 32 aquarelles datant de la période entre 1494 et peu après 1500, dont la plupart sont liées à

Les voyages de Durer en Italie. Aucune des feuilles n'est signée ou datée. Pour cette raison, il n'existe à ce jour aucun accord concernant leur séquence précise. Les aquarelles sont parmi les plus étudiées de l'histoire de l'art occidental. Ils peuvent à juste titre être considérés comme des œuvres autonomes et documenter un rapport modifié avec la peinture de paysage, qui était auparavant le genre artistique le moins considéré, sa fonction étant entièrement subordonnée à la peinture d'histoire. Un facteur décisif dans la nouvelle conception des images de paysage est une conception individuelle de la nature ainsi qu'une technique innovante d'utilisation de l'aquarelle, permettant de produire les nuances les plus subtiles en accumulant des couches de glacis similaires à la technique utilisée dans la peinture à l'huile. Alors que les premières aquarelles de Durer rappellent encore des exemples typiques de méthodes topographiques de représentation de la tradition de l'atelier de Franconie, telles que les vues de Bamberg de l'atelier de Wolfgang Katzheimer (actif de 1478 à 1508), dans les œuvres ultérieures, leur composition, leur couleur et la conception picturale devient considérablement plus libre. La conception atmosphérique du paysage dans ces dernières aquarelles a même conduit à les comparer à celles de l'impressionniste Cézanne (1839-1906).

Les aquarelles de Dürer peuvent être divisées en deux groupes. Les premiers exemples incluent fréquemment des études topographiques qui sont les premiers paysages colorés autonomes à enregistrer en détail des emplacements particuliers. Ils contiennent encore quelques incertitudes de perspective, comme la représentation de la Moulin de tréfilage. Ici, l'intérêt artistique de produire une image réaliste est au premier plan. Cela conduit à ce que tous les détails soient enregistrés de manière additive avec la même emphase et que la couleur soit très peu adoucie. Sa connaissance de l'influence de la lumière et de l'air sur l'apparence de la couleur ne devient perceptible que dans des œuvres ultérieures. Ceux-ci passent d'un enregistrement naturel à un enregistrement atmosphérique et cosmique du paysage, qui devient clair à la fois dans la composition globale et dans l'utilisation plus détendue de la couleur. Le rendu détaillé est désormais subordonné à l'effet harmonieux de l'ensemble. Un seul motif qui a suscité l'intérêt de Durer, comme un pan de mur, une masse de racines dans une carrière ou un complexe de bâtiments, peut se démarquer de l'image par ailleurs sommaire, capturée avec quelques coups de pinceau et des surfaces colorées. Plus tard, des aquarelles matures telles que le Carrière datant d'environ 1506, une section est placée librement sur la surface du tableau. Ici, Durer expérimente les possibilités techniques de l'aquarelle en permettant à divers tons bruns d'entrer en vigueur dans de nombreuses nuances et nuances. La connaissance de la perspective acquise en Italie laissait déjà sa marque sur des aquarelles telles que la Paysage près de Segonzano dans la vallée de Cembra, ce qui les rend plus faciles à dater.

Sa route a traversé le col du Brenner et la vallée de l'Eisack jusqu'à Venise. L'itinéraire probable peut en partie être déduit des aquarelles et en partie des informations sur les itinéraires fréquemment utilisés qui ont été transmises dans la première carte imprimée sous forme de gravure sur bois, complète avec les itinéraires de voyage et les distances, par le mathématicien et docteur Erhard Etzlaub (c. 1460-1532). Selon cela, l'itinéraire d'Albrecht Durer l'aurait conduit d'Innsbruck sur la route du col du Brenner, puis à Bressanone (Brixen) et Chiusa (Klausen), où une aquarelle du Rabenstein près de Weidbruck a été réalisée. Selon la "Chronique de Bolzano" datant de 1494, les routes près de Bolzano (Bozen) ont été inondées au moment du voyage de Dürer. Il est donc probable que l'artiste ait fait un détour par la vallée de la Cembra, ce que confirme l'aquarelle. Lors de son voyage de retour, sur la route du Brenner, il a probablement créé une vue du Klausen dans la vallée de l'Eisack qui a depuis été perdue, bien qu'elle ait été retravaillée dans la gravure sur cuivre Némésis ou bonne fortune.

Le séjour de Dürer à Venise, cependant, se caractérise principalement par des dessins réalisés à partir d'originaux et d'après nature. Tout au long de sa vie, Durer a exprimé son enthousiasme pour la variété de la faune et de la flore dans de nombreuses études dessinées. Pendant son séjour à Venise, les feuilles d'étude de l'eau grand format avec des représentations d'un Crabe de mer et un Homard ont été créés. Initialement, il y avait un doute sur l'authenticité de ces feuilles, mais Winkler a établi que le homard appartenait à une espèce principalement originaire de la mer Adriatique. Des études de lions, rappelant l'animal héraldique de Venise, et des représentations mythologiques ont également survécu. Ces feuilles, comme les aquarelles, étaient des études indépendantes non préparées en vue d'un travail concret.

À Venise, Durer a copié des œuvres de Mantegna, Lorenzo di Credi (1456/1460-1537) et Antonio del Pollaiuolo (1430 - 1498), et ici son intérêt pour les nus était au premier plan. Des études telles que la Nu féminin de 1493 fournissent la preuve que Durer avait déjà envisagé la représentation des proportions humaines avant son voyage en Italie. Un exemple frappant de copies tirées d'originaux italiens est le dessin à la plume du Mort d'Orphée dans la Kunsthalle de Hambourg, que Durer a probablement réalisée à l'imitation d'un tableau de Mantegna. L'original n'est connu que par une gravure sur cuivre qui se trouve également à la Kunsthalle de Hambourg. Le thème pictural a été tiré du onzième chapitre d'Ovide Métamorphoses (1-43) : le héros classique et célèbre chanteur Orphée est tué par deux femmes lors d'une fête de Bacchus en Thrace pour avoir introduit l'amour homosexuel en Thrace. Ce premier dessin démontre déjà quelque chose qui allait devenir significatif dans les œuvres graphiques ultérieures de Durer : l'enregistrement du corps humain en mouvement avait la priorité sur la narration du thème mythologique. Les gestes amples des deux femmes thraces, vues de face et de dos, forment un contrepoids au mouvement du corps d'Orphée. L'étude des proportions humaines et la recherche de la mesure idéale trouvent un écho dans de nombreux autres nus comme la femme nue debout vue de dos.

À plusieurs reprises, Durer a spontanément enregistré de nouvelles impressions de la vie. Ceci est également documenté par les études de femmes vénitiennes portant des robes de ville avec des décolletés très bas qui étaient largement considérées comme « indécentes ». Dans un dessin à la plume, Durer oppose une Vénitienne à une femme de Nuremberg, et la robe vénitienne libérale diffère clairement du costume allemand serré et modestement lacé.

À cet égard, Erwin Panofsky compare Durer à un historien de l'art moderne opposant une maison de ville de style gothique tardif et un palais de la Renaissance d'une manière similaire. Des études de la robe traditionnelle vénitienne réapparaissent dans les œuvres imprimées de Durer à une date ultérieure, comme dans le dessin et la gravure sur bois de la Martyre de Sainte Catherine et la représentation de la Pute babylonienne dans la série de gravures sur bois pour le livre de la apocalypse.

On s'est souvent demandé comment Durer avait réussi à financer ce voyage en Italie. Il est possible qu'il ait pu investir une partie de la dot de sa femme, mais il est probable qu'il ait gardé la tête hors de l'eau en vendant des gravures sur bois, peut-être même en faisant des travaux de commande. Les chercheurs ont des opinions divergentes sur les activités de peintre de Durer lors de son premier voyage en Italie, car aucun tableau correspondant ne peut être définitivement attribué à cette période au moyen d'une signature ou de sources.

L'image du Vierge à l'Enfant qui fait maintenant partie d'une collection privée mais qui se trouvait autrefois dans le monastère des Capucins de Bagnacavallo près de Bologne est considéré par Anzelewsky comme faisant partie d'un groupe de quatre peintures qui ont peut-être été créées lors du premier voyage en Italie. Il existe d'autres opinions, selon lesquelles Durer a peut-être peint le tableau après son retour à Nuremberg et l'a emporté avec lui lors de son deuxième voyage en Italie afin de le vendre là-bas. L'œuvre n'a été découverte qu'après la Seconde Guerre mondiale. Avant cette époque, il avait été en Italie.

Dans cette image, le style gothique tardif est déjà combiné avec les premiers signes de la Renaissance italienne. La Vierge trône devant un arc de portail qui s'ouvre d'un côté, l'Enfant Jésus couché sur un drap posé sur ses genoux. En termes de composition, le groupe de figures a la forme d'un triangle. Marie et Jésus sont liés l'un à l'autre par leurs postures. La mère tient tendrement la main de son fils et le regarde avec amour et tristesse, prévoyant sa passion à venir. La brindille de fraise dans la main de Marie, symbole à la fois du Christ et de Marie, est à la fois un signe de maternité et, en raison de sa couleur rouge, de la Passion du Christ. Dans la conception monumentale et bien proportionnée du groupe de personnages, Durer suivait les modèles italiens, en particulier les peintures de la Madone de Giovanni Bellini, bien que la composition spatiale doive encore beaucoup au style gothique tardif influencé par la peinture hollandaise. La physionomie de l'Enfant Jésus rappelle le dessin de Durer d'un Enfant Jésus allongé d'après Lorenzo di Credi. Si ce dessin n'est pas un modèle concret, il existe néanmoins des parallèles stylistiques.

Au cours des décennies suivantes, les réalisations de l'art de la Renaissance italienne, véhiculées à la fois par le graphisme imprimé et les œuvres et écrits de Dürer, ont permis à tous les genres d'art au nord des Alpes de faire un pas en avant décisif. Les artistes n'allaient plus seulement aux Pays-Bas pour étudier les originaux de grands chefs-d'œuvre de peintres tels que Jan van Eyck (vers 1390-1441) ou Rogier van der Weyden (1399/1400-1482), les copier et continuer à travailler sur eux après leur retour chez eux, ils ont également permis aux formes italiennes de laisser leur marque stylistique sur leurs œuvres. Cependant, de nombreux artistes allemands se sont simplement nourris de l'influence indirecte des graphiques imprimés et n'ont pas voyagé eux-mêmes en Italie.


Biographie d'Albrecht Dürer

Les premières années :
Albrecht Durer était le fils d'un orfèvre hongrois du même nom. Son père a déménagé en Allemagne en 1455 et a épousé Barbara Holper en 1467. Albrecht est né en 1471 et on pense qu'il était l'un des 14 enfants environ.

Bien qu'il y ait eu un riche héritage d'orfèvre au sein de la famille, Albrecht a commencé à peindre vers l'âge de 13 ans, s'inspirant des gens autour de lui.

Durer a commencé un apprentissage auprès du graveur et peintre allemand Michael Wolgemut à l'âge de 15 ans seulement. Wolgemut était un expert en gravures sur bois et en peintures et à l'époque il était l'un des meilleurs artistes de Nuremberg, qui était une ville forte et influente au cœur de l'Allemagne. avec des liens vers l'Italie et les Alpes.

Durer a terminé son premier travail, un autoportrait, en 1484. Il a quitté l'Allemagne six ans plus tard pour un « wanderjahre », ce qu'on appelle maintenant une année sabbatique ou une année de voyage.

Années intermédiaires :
Les détails complets de ses voyages sont inconnus, mais il est probable qu'il se soit rendu à Francfort, en Hollande et à Strasbourg où il a peint des autoportraits pour la première fois.

En 1492, Durer visita Bâle en Suisse pour voir les frères Schongauer (Martin et Georg) avant de retourner à Nuremberg et d'épouser Agnès Frey en 1494. Ils n'eurent pas d'enfants.

Durer n'est resté à Nuremberg que trois mois avant de se rendre en Italie. Son voyage l'a emmené à travers les Alpes et il a utilisé ce temps pour faire des croquis à l'aide d'aquarelles. Il s'agissait de la première des deux visites que l'artiste a effectuées dans ce pays du sud de l'Europe.

Ensuite, Durer s'est rendu à Venise alors qu'il cherchait à élargir son monde artistique dans l'une des demeures de la Renaissance avant de se rendre à Mantoue et à Padoue. Il revint à Nuremberg en 1495 et y resta une dizaine d'années.

Durer a ouvert un atelier et a commencé à développer ses compétences et son portfolio. Au cours des premières années de cette entreprise, il a créé des gravures sur bois principalement basées sur la religion, telles que The Men's Bath House (1496) qui étaient impressionnantes à la fois par leur composition et leur complexité.

Que Durer ait coupé le bois lui-même est discutable, mais sa formation d'apprenti lui a permis de comprendre la technique. En 1502, l'artiste perd son père et sa mère meurt en 1513.

Le burin (outil de gravure) et les gravures ont été les compétences suivantes que Durer a appris à utiliser, bien qu'il ait peut-être acquis une compréhension de son père. Il a d'abord démontré cette technique dans son fils prodigue.

D'autres pièces innovantes ont suivi comme Durer a utilisé des paysages et des animaux comme sujets tout en créant également des figures religieuses. Ces gravures le rendirent bientôt célèbre dans toute l'Europe.

Le célèbre artiste vénitien Jacopo de Barbari était un ami proche de Durer et a fait l'éloge de son travail, mais Durer a continué à étudier et à apprendre. Les dessins sur les proportions humaines étaient les prochains à son ordre du jour et les œuvres créées à cette époque incluent la gravure Adam et Eve.

Bien que les gravures aient préoccupé ses pensées, Durer a également continué à créer des couleurs de carrosserie et des aquarelles telles que Great Piece of Turf et Young Hare.

Un passage en Italie entre 1505 et 1507 a vu Durer revenir à la peinture, principalement sur toile à l'aide de tempera. Les retables et les portraits étaient les principaux produits, à savoir l'Adoration des Mages et le retable de Paumgartner.

À Venise, en 1506, Durer créa l'Adoration de la Vierge (également connue sous le nom de Fête des guirlandes de roses) sur commande pour l'église San Bartolomeo qui se dirigea ensuite vers Prague. D'autres pièces créées à cette époque incluent le Christ se disputant avec les médecins et La Vierge et l'enfant avec le chardonneret.

La popularité d'Albrecht Durer monte en Italie (il est désormais une connaissance de Giovanni Bellini, Léonard de Vinci et Raphaël) mais il ressent le besoin de retourner en Allemagne, où il crée ses œuvres les plus renommées.

Des gravures sur bois de la vie de la Vierge et de la grande passion ont également été créées pour mettre en valeur les développements dans la modélisation et le style de Durer. C'est de 1513 à 1514 que sont réalisées ses gravures les plus célèbres, telles que Le Chevalier, la Mort et le Diable.

Vers 1512, Durer s'est lié d'amitié avec Maximilien Ier, ce qui l'a conduit à commander de nombreuses œuvres, dont L'Arc de Triomphe, qui a été créé sur 192 blocs différents. Cela a été suivi par la procession triomphale.

Des années plus tard:
Maximilien Ier était le principal mécène d'Albrecht Durer mais mourut en 1520. Charles V, le nouvel empereur, reprit alors ce mécénat et l'artiste fut bien accueilli, créant des dessins au fusain, à la pointe d'argent et à la craie tout en acquérant les connaissances de ses collègues artistes.

On pense que Durer est allé à Bruxelles pour peindre Christian II de Danemark. Là, il a pu voir le trésor aztèque et a dit qu'il était "plus beau pour moi que les miracles".

1521 vit son retour en Allemagne et son travail ralentit comme lui. Sa vie ultérieure était largement basée sur des thèmes religieux pour de grands projets tels que Sacra Conversazione et Crucifixion et il a également commencé à écrire sur la perspective, la fortification, les proportions et la géométrie. Son premier livre a été publié en 1525, intitulé Les quatre livres sur la mesure. Il s'agissait d'un ouvrage sur les mathématiques pour adultes et fut suivi en 1527 par Les quatre livres sur les proportions humaines, basé sur les fortifications de la ville.

En 1528, à l'âge de 56 ans, Albrecht Durer mourut en laissant une fortune considérable et sa maison/atelier est aujourd'hui un monument et un musée de Nuremberg. Il est enterré au cimetière Johannisfriedhof.


C'est alors qu'il avait une vingtaine d'années que Dürer a pu établir une réputation et une influence à travers l'Europe. Cela était dû aux belles gravures sur bois qu'il produisait. Parmi les artistes qui le suivront, Dürer a été une source d'inspiration pour beaucoup, notamment en matière de gravure. Sa carrière durera plus de 40 ans, et pendant ce temps, Dürer a continué à produire un grand nombre d'œuvres. Cela inclut également les gravures pour lesquelles il est le plus connu. L'une des nombreuses œuvres bien connues attribuées à Albrecht Dürer est Praying Hands, un dessin à l'encre et au crayon réalisé en 1508. Le dessin est l'un des nombreux croquis que Dürer a réalisés pour préparer un retable, ou du moins ce qu'on croyait à l'origine.

Controverse sur le but prévu des mains en prière de Dürer

La conclusion initiale, qui a été acceptée pendant de nombreux siècles, était que l'artiste Durer avait réalisé ce dessin en tant qu'étude préparatoire pour son retable Heller, mais ces dernières années, cette théorie a été mise en doute. Une nouvelle opinion, formée à partir de nombreuses recherches, est qu'il s'agissait en fait d'une campagne de l'artiste pour promouvoir ses talents techniques auprès de prétendants potentiels. Les détails fournis dans ce dessin sont extraordinaires, et l'on peut peut-être croire à cette nouvelle théorie, selon laquelle un artiste ne consacrerait peut-être pas autant de temps à quelque chose de considéré comme relativement périphérique par rapport à son objectif principal. Le conservateur en chef de l'Albertina de Vienne, Christof Metzger, et le cerveau derrière l'exposition exceptionnelle Dürer de l'institution de 2019-2020, ont avancé ce nouvel avis académique.

Christof Metzger pense également qu'il est plus que probable que l'artiste ait utilisé ses propres mains comme référence pour ce dessin. Bien que le retable, pour lequel beaucoup pensaient que ce dessin était un croquis d'étude en préparation, n'existe plus après avoir été détruit dans un incendie, une copie réalisée par Jobst Harrich au 17ème siècle existe toujours aujourd'hui. Cette copie ainsi que l'esquisse originale de Praying Hands se trouvent au musée Albertina de Vienne, en Autriche. La nature fragile du chef-d'œuvre de Durer signifie que les copies ne peuvent être affichées que de manière permanente, afin de préserver pleinement cette œuvre d'art d'importance historique. Durer n'aurait pas su en 1508 que tant d'efforts auraient été consacrés à la protection de cette œuvre d'art à travers les siècles qui ont suivi.

The controversy over the role of this artwork dates back to the 19th century when a general acceptance was born that this drawing was specifically aimed at preparing for the creation of an apostle in the bottom right hand side of the Heller altarpiece, which itself was completed in 1509. It was as late as 2013 that major exhibitions were still putting out this very same view, at Frankfurt's Städel Museum as well as the National Gallery of Art in Washington, DC, USA. Perhaps in time this will return to being the main line of thought, but for now it has lost ground to Christof Metzger's well researched opinion. Art history is full of these changing opinions though it is hard to find new research around artworks which were produced so many centuries ago. Metzger's precise comments are displayed in our Durer quotes section.

Metzerger went into further detail about why he believes this artwork was more than just a study sketch. He points to the artist's method of self-promotion, where he would invite potential donors to his studio and show off the best of his work in order to gain new commissions. Also, the completed altarpiece would never have required this level of detail and, as such, it would not have made sense for the artist to have spent this long on his Praying Hands drawing, unless it did indeed hold a higher purpose. His research also aims to push the theory that his was the artist's hands found in this depiction, which has never been truly confirmed nor denied. He mentions self portraits in which the artist's hands loosely matched those found here.

A Synopsis of Albrecht Durer's Career

Known as the Leonardo of the North, Albrecht Dürer was a renowned artist of the German Northern Renaissance movement. Born in Nuremberg in 1471 he was a painter, printmaker and theorist. The sketch that we find here shows the hand of an apostle and was destined to form the centre panel of the three-panel altarpiece. The drawing depicts the hands of a man who is praying. You do not see the man's body in the picture. What you do see however are the folded sleeves of the man. The image of the hands appear in several of Dürer's other works. When it comes to the model for the sketch, there are many stories. One story is that Dürer made use of his brother's hands for the sketch. However, there is proof that the story is true.

When it comes German Renaissance artists, Dürer is one of the leading figures of the time. His legacy is that not only is he recognised for his engravings, he is also thought of as one of Europe's first watercolour landscape artists. Of his many works they often incorporate classic motifs. Dürer also wrote a number of books in which he wrote about how his theological beliefs inspired him. In addition to Praying Hands, some of Dürer's other celebrated works include Melencolia, Saint Jerome in His Study as well as Knight, Death and The Devil.

The Impact of Durer's Praying Hands on Modern Culture

Although the image of Dürer's Praying Hands is over 500 years old it still appears in today's modern culture in a variety of different forms. Examples of where the image of the praying hands has been used include:

In 2011 a student in Athens placed a graffiti mural on the side on a ten story building in the centre of town based on Dürer's drawing. The mural differs from the original in that the hands appear upside down on the building. The cover for the track "6 God" on Drake's album If You're Reading This It's Too Late uses a version of the original drawing. The image of the Praying Hands is one where a search of the Internet will generate a significant number of results.


Art History News

Explore a 500-year-old revolution in printmaking technology at the Cincinnati Art Museum’s free special exhibition Albrecht Dürer: The Age of Reformation and Renaissance, on view November 17, 2017–February 11, 2018.

The Cincinnati Art Museum is one of several Cincinnati area arts organizations who will commemorate 500 years since Martin Luther issued his 95 theses in 1517, triggering enormous theological, political and cultural changes throughout Europe.

The Age of Reformation and Renaissance follows the development of Dürer’s artistic brilliance from his apprenticeship through the eve of the Reformation. Through Dürer’s works, visitors will experience the artistic, cultural and political changes that lead up to Luther’s defiant act.

Dürer’s political and social influence are evident in the prints in the exhibition, including popular artworks

The Four Horsemen from The Apocalypse

et Knight, Death and the Devil.

The exhibition features an extensive display of works from Cincinnati Art Museum’s permanent collection, plus works on loan from other museums and collectors, totaling more than 140 pieces by Dürer and his contemporaries.

Kristin Spangenberg, Cincinnati Art Museum Curator of Prints, has organized the exhibition. “The Cincinnati Art Museum joins the local community in commemorating Dürer’s life and legacy through this exhibition,” says Spangenberg. “The highlight of The Age of Reformation and Renaissance is Dürer’s complete series of religious prints. His innovative use of printmaking puts his works on par with artists of the Italian Renaissance, and had led to his international and lasting reputation.”


The Mystery Of Dürer’s Magic Square

Many weird things appear dans Albrecht Dürer’s famous engraving Melencolia. Among them is a magic constant 34 square, a well-known and enigmatic example. The engraving shows a disorganized jumble of scientific equipment lying unused while an intellectual sits absorbed in thought. ‘Dürer’s magic square’ is located in the upper right-hand corner of the engraving. The numbers 15 and 14 appear in the middle of the bottom row, indicating the date of the engraving, 1514.

Albrecht Dürer, Melencolia I, 1514, National Gallery of Art, Washington, DC, USA.

The sum 34 can be found in the rows, columns, diagonals, each of the quadrants, the center four squares, the corner squares, the four outer numbers clockwise from the corners (3+8+14+9), and likewise, the four counter-clockwise, the two sets of four symmetrical numbers (2+8+9+15 and 3+5+12+14), the sum of the middle two entries of the two outer columns and rows (par exemple. 5+9+8+12), as well as several kite-shaped quartets, e.g. 3+5+11+15. Actually, there are 86 different combinations of four numbers from Dürer’s square that add up to the sum of the magic number, 34!

Albrecht Dürer, Melencolia I, 1514, National Gallery of Art, Washington, DC, USA. Détail.

Each row, each column, and each diagonal adds up to 34 these are the traditional magic properties. But there is more magic to be found here. There are actually thirteen different ways of dividing this square into four groups of four cells, with each group of four cells adding to 34. The menu in the applet can be used to select among these. The positions in the ‘Dürer square’ can be seen as a finite vector space in which each set of four groups of four cells is a set of parallel affine planes.

‘Dürer’s magic square’ has additional properties: the sum in any of the four quadrants, as well as the sum of the middle four numbers, are all 34. It is thus a gnomon magic square. A gnomon magic square is a 4×4 magic square in which the elements in each 2×2 corner have the same sum. In addition, any pair of numbers symmetrically placed about the center of the square sum to 17, making the square even more magical.


Albrecht Dürer

It has been decades since so many works by Albrecht Dürer (1471–1528) have been seen in one place: thanks to valuable international loans, Vienna’s ALBERTINA Museum – itself home to numerous world-famous icons of drawing by Dürer including the Hare, Praying Hands, et Large Piece of Turf – will be presenting over 200 examples of Dürer’s drawings, printed graphics, and paintings in autumn 2019. Upon its reopening in 2003, it was with an exhibition of works by Albrecht Dürer that the ALBERTINA Museum ended up welcoming a total of half a million visitors. And now, a selection of over 100 drawings, a dozen paintings, personal writings, and other rare documents will present the oeuvre of this Renaissance genius more comprehensively than ever before.

The Historical Collection of the ALBERTINA Museum

The ALBERTINA Museum holds the world’s most important collection of Albrecht Dürer’s drawings, a collection that numbers nearly 140 works. The historical background of the museum’s Dürer holdings is likewise a matter of special significance: their provenance can be traced back to 1528 without any gaps, with this group of works from the artist’s workshop having thus been together for nearly 500 years. The museum’s holdings hence also offer a uniquely ideal starting point from which to learn about Dürer’s personal, early-humanist concept of art.

International Loan Works Brought Together

For this once-in-a-century exhibition, the ALBERTINA Museum has succeeded in uniting important works from international lenders: the Adoration of the Magi from the Uffizi, the unsettling and unsparing self-portrait of a naked Albrecht Dürer from Weimar, Martyrdom of the Ten Thousand from Vienna’s Kunsthistorisches Museum, Christ among the Doctors from the Thyssen-Bornemisza Museum in Madrid, and what is possibly Dürer’s most handsome male portrait from the neighboring Museo del Prado. Furthermore, the ALBERTINA Museum is also presenting the late paintings from the artist’s final journey to the Netherlands with all of the studies on which they are known to be based.

Art-Historical Sensations

In recent years, curator and Dürer specialist Christof Metzger has been reevaluating the ALBERTINA Museum’s Dürer holdings, which embody the world’s most important collections of both his drawings and his watercolors. The most surprising outcomes of this work are his assessments regarding the artist’s great nature studies from the initial years of the 16th century—such as the Hare and the Large Piece of Turf —and his studies with strong light/dark contrasts on colored paper such as the famous Praying Hands, all of which probe the limits of what can be accomplished with pen and brush. These are demonstration pieces that proved Dürer’s consummate drawing and painting abilities to anyone who visited the master’s workshop. As such, they are not preliminary studies but autonomous visual tours de force that demonstrate Dürer’s stupendous abilities as well as the intellectual depth with which he conceived of nature.


Kossel was awarded the Nobel Prize in Physiology or Medicine in 1910 for his research in cell biology, the chemical composition of the cell nucleus, and for his work in isolating and describing nucleic acids. The award was presented on 10 December 1910.

In the autumn of 1911, Kossel was invited to the United States to deliver the Herter Lecture at Johns Hopkins. Traveling with his wife Luise and daughter Gertrude, he took the opportunity to travel and to visit acquaintances, one of which was Eugene W. Hilgard, professor emeritus of agricultural chemistry at the University of California at Berkeley, who was also his wife's cousin. He also visited and delivered lectures at several other universities, including the University of Chicago.


Voir la vidéo: Albrecht Durer: A collection of 153 paintings HD (Août 2022).